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Jan 13, 2024

Combinar danza y escultura crea una nueva visión del arte

Publicidad Patrocinado por Una exposición en la Fundación Barnes en Filadelfia es uno de varios proyectos recientes que utilizan las dos formas para explorar cómo las personas interactúan con el arte. Por Preciosa Adesina

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Una exposición en la Fundación Barnes en Filadelfia es uno de varios proyectos recientes que utilizan ambas formas para explorar cómo las personas interactúan con el arte.

Por Preciosa Adesina

Reportando desde Londres

El artista de Chicago Brendan Fernandes no necesita que su trabajo encaje perfectamente en una categoría. “La gente pregunta: '¿Es un accesorio? ¿Es una escultura? ¿Es una obra de arte? Y yo digo: 'Son todas esas cosas'”, dijo recientemente por teléfono.

Ahora ha centrado su antiguo interés en fusionar danza y escultura en el trabajo del artista de principios del siglo XX William Edmondson. Fernandes creó una pieza que se presenta en una retrospectiva de la práctica de Edmondson, “A Monumental Vision”, que se exhibirá hasta el 10 de septiembre en la Fundación Barnes en Filadelfia.

Con su presentación del trabajo de Fernandes, Barnes se une a una serie de instituciones y artistas de todo el mundo que combinan los medios de la danza y la escultura para cuestionar cómo las personas interactúan con los museos y las artes visuales. Los curadores de la muestra, James Claiborne y Nancy Ireson, esperaban que la pieza de danza de Fernandes, realizada en respuesta a las tallas en piedra de Edmondson, "fomentara nuevas formas de ver", dijo Ireson. La obra, “Regresar a antes”, se mostrará como una presentación en vivo continua en el museo a partir del viernes.

Claiborne recordó haber escuchado a Fernandes dar una charla en la Universidad de Rutgers en 2022, en la que habló sobre el punto en el que “los objetos se convierten en bellas artes y en qué momento se pueden tocar”. Claiborne añadió que esto despertó su interés en cómo “los museos a menudo desconectan las obras de arte y los objetos de importancia espiritual y cultural de su contexto original” y le ayudó a concebir el proyecto Barnes.

Fernandes dijo que “Regresar a Antes” fue “una pieza de una hora, pero hay momentos en los que los bailarines se convierten en estatuas”. Se detienen a pensar o descansar, pero también a imitar las posiciones de las esculturas de Edmonson. “Están meditando”, añadió. "Están creando este espacio de tranquilidad dentro del museo".

“Los museos son espacios coreografiados”, dijo Fernandes, y agregó que la coreografía es “un conjunto de reglas” que la gente sigue. En el Museo Whitney en 2019, Fernandes exhibió “Master and Form II”, una obra escultórica de un andamio negro convertido en una jaula de acero. En las actuaciones que exigían una gran resistencia física, los bailarines de ballet se colgaban, hacían equilibrio y saltaban sobre partes de la estructura.

“Uno va a un museo, no toca las cosas, no habla”, dijo. En obras como “Master and Form II”, estaba “jugando con esas etiquetas y transformándolas”, dijo.

Así como el trabajo de Fernandes interactúa con las esculturas de Edmondson en Barnes, la artista estadounidense Carrie Mae Weems ha utilizado la danza para darle un nuevo significado a un trabajo visual de larga data. En su video de 2013 “Holocaust Memorial”, Weems se mueve con reverencia entre los pilares del monumento de Berlín, “Monumento a los judíos asesinados en Europa”, aplaudiendo y balanceando los brazos.

Ha habido mucha discusión sobre cómo los visitantes interactúan con el monumento, que se inauguró en 2005, incluidas críticas a las personas por tomarse selfies o posar para otras fotografías entre, o incluso sobre, la cuadrícula de pilares.

El movimiento de Weems entre los objetos del monumento, también captado por la cámara, tenía como objetivo resaltar el "sentido compartido de lucha" entre las comunidades negra y judía, según una cita de la artista en una retrospectiva actual de su trabajo en el Barbican Centre de Londres. En una exposición en Stuttgart, Alemania, el año pasado, Weems mostró por primera vez imágenes fijas de la serie “Holocaust Memorial”.

Antes de estas obras más recientes, el artista estadounidense Nick Cave ha dedicado gran parte de su carrera a unir danza y escultura. Desde 1991, Cave ha fabricado más de 500 “trajes sonoros” (esculturas vibrantes y portátiles) que se han exhibido en museos de todo el mundo. Cave ha pensado durante mucho tiempo en cómo los diferentes museos separan las obras de arte de su propósito inicial, dijo.

Los trajes sonoros también se han usado en numerosas piezas de danza en espacios artísticos, y el movimiento de los artistas en los trajes produce el "sonido". Para Cave, la idea de esculturas en los museos "se presta a la interpretación", dijo. “Una escultura es algo que se encuentra en su forma completa desde todos los lados. Nos movemos alrededor de una escultura, entramos y salimos de una escultura. En mi caso, uno puede ser el portador o puede imaginar la escultura en un contexto performativo”.

Al igual que la colaboración de la Fundación Barnes entre la danza de Fernandes y la escultura de Edmondson, Ireson dijo que los museos y galerías estaban buscando "nuevas formas de seguir siendo relevantes".

El movimiento coloca a las personas en “un espacio contemplativo”, dijo Claiborne, que puede abrir nuevas formas de interactuar con el arte visual.

Y añadió: "La danza se convierte en una forma en que los objetos inmóviles cobran nueva vida".

Una versión anterior de este artículo se refería incorrectamente a Brendan Fernandes. Es un artista keniano-canadiense afincado en Chicago, no un artista autodidacta de Tennessee; esa descripción se aplica a William Edmondson.

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