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Oct 14, 2023

Reseña teatral: 'La tempestad' de Shakespeare en el Delacorte

Esta no es una reseña de La Tempestad. Bueno, no, lo es. No puede evitarlo. Pero me gustaría echar un vistazo aéreo por un momento y, antes de abordar el barco del rey, hacer una pausa. Porque hablar de

Esta no es una reseña de La Tempestad.

Bueno, no, lo es. No puede evitarlo. Pero me gustaría echar un vistazo aéreo por un momento y, antes de abordar el barco del rey, hacer una pausa. Porque para hablar de este Tempest, primero hay que hablar del proyecto más amplio al que está al servicio. Y la obra, a pesar del enfoque de la exuberante producción en temas de liberación de diversos vínculos, está al servicio. El texto de Shakespeare, posiblemente la única historia original del dramaturgo, es un andamio de dominio público sobre el cual construir la culminación anual del programa de Obras Públicas.

Esto no es un juicio; es simplemente un hecho. Public Works, que el director artístico del Public Theatre, Oskar Eustis, describe constantemente en sus anuncios previos al espectáculo en el escenario como “el programa más importante que hacemos”, tiene ahora poco más de una década y está tan exuberante y lleno de canciones y bailes como siempre. Fundada en 2012 por el director Lear deBessonet y ahora dirigida por la directora de Tempest, Laurie Woolery (dirigió As You Like It para Public Works en 2017 y próximamente encabezará Public's Manahatta), Public Works no es solo un espectáculo: es una comunidad masiva. iniciativa centrada en las artes. Combina talleres y clases durante todo el año con comidas compartidas y asociaciones con ocho organizaciones diferentes en Nueva York, desde un sindicato de trabajadores domésticos hasta una fundación que trabaja para construir comunidades de apoyo para los veteranos militares. Los enormes elencos de los espectáculos de verano que Obras Públicas presenta en Delacorte en Central Park cuentan con un núcleo de actores profesionales animados por un conjunto de más de cien miembros de la comunidad: “enfermeras, bomberos, jubilados”, dijo Eustis en sus comentarios, adorables. ¡Niños de 5 años, octogenarios, bailarines de break dance! El principio fundamental de Obras Públicas es que el arte no es la reserva de unos pocos talentosos sino un derecho de nacimiento universal. Cada alma tiene potencial imaginativo, anhela expresarse y merece un ambiente afectuoso e inspirador para hacerlo.

¿Quién podría discutir esa premisa? ¿Quién querría hacerlo? Si un esfuerzo artístico debe evaluarse únicamente por la pureza de sus intenciones (o, lo que es más significativo, por el probable bien neto que aporta al mundo), entonces las producciones de Obras Públicas probablemente no deberían ser criticadas en absoluto. La buena fe utópica del proyecto es incuestionable.

Sus producciones, sin embargo, no lo son. Y por muy delicado que pueda ser analizar la intención y el resultado (lo que se pretende y lo que se hace), también es, en nuestra era de miedo y matices aplanadores, una necesidad. Si el arte es un derecho de nacimiento, también lo es la capacidad de lidiar con lo que es complejo, ambivalente e insoluble. Pero esta Tempest no exige tal esfuerzo, ni de su conjunto ni de su público. En tono y temperamento, le debe mucho más a Disney que a Shakespeare. Si se mueve probablemente dependerá de cuánto amor (y/o tolerancia) tengas por cada uno de esos extraños compañeros de cama.

Para ser justos, La Tempestad presentada por Obras Públicas es abiertamente una adaptación. De hecho, es un musical en toda regla. Con música y letras originales de Benjamín Vélez y coreografía de Tiffany Rea-Fisher, Woolery's Tempest todavía cuenta la historia del derrocado duque-slash-hechicero Prospero (la poderosa cantante y antigua Angelica Schuyler Renée Elise Goldsberry), pero sus herramientas están más in crescendo. y línea de patada que el espacio vacío y el pentámetro yámbico. Parte del texto de Shakepeare se conserva, pero el motor de la producción son sus canciones, y ese motor está alimentado por la seriedad y la picardía.

Las melodías de Vélez son sólidamente Teatro Musical Contemporáneo 101: palpitantes, intermitentemente pop, formulaicas. Hay un lío sórdido para los villanos, el intrigante hermano de Prospero, Antonio (Anthony Chatmon II), y su igualmente traicionero aunque algo más tonto compañero, Sebastian (Tristan André). Hay una canción romántica, ligeramente hip-hop, para los jóvenes amantes, la hija adolescente de Prospero, Miranda (Naomi Pierre), y su novio náufrago, Ferdinand (Jordan Best), en la que se sonrojan, se mueven y se dicen el uno al otro: " Estoy vibrando contigo”. Hay un número de comedia grande y divertido para los payasos borrachos Stephano (Joel Pérez) y Trínculo (vi a Anthony J. García, aunque el papel generalmente lo interpreta Sabrina Cedeño). Y hay muchas melodías intensas y sinceras sobre el viaje del héroe para Prospero. Incluso hay un himno inadaptado y anhelante para Caliban (Theo Stockman), el “monstruo” descontento que se ve obligado a buscar y cargar cosas para el hechicero.

No es sólo que ninguna de estas melodías permanezca en tu cabeza por mucho tiempo; es que casi todos recuerdan otras canciones más pegadizas. Gracias a las reflexiones musicales de Prospero sobre si alguna vez sería capaz de “dejar ir” (a su hija, a su deseo de venganza), salí del espectáculo tarareando el himno ganador del Oscar de una heroína hechicera diferente. Mezcla "Be Prepared" y "Easy Street" y prácticamente terminarás con el bop de chico malo de Antonio y Sebastian. Escuche a Caliban cantar: "¿Cómo puedo estar seguro de si soy un monstruo o un hombre?" y es posible que se distraiga con los ecos del Jorobado de Notre Dame de Disney. En su celebración ebria de sus propias aspiraciones reales, Stephano de Pérez incluso llega a cantar, con un enorme guiño: “¡A la vida! ¡L'jaim!

Ese toque particular de descaro referencial tal vez podría haber resultado encantador si no se hubiera ahogado en un mar de jamón y queso. Los pobres payasos de esta Tempest no tienen nada contra qué empujar, por lo que acaban simplemente empujando. Cuando gran parte de la obra adopta un tono tan cómico y bromista, ¿dónde está la necesidad de un alivio cómico? Durante sus escenas, Pérez y García están trabajando duro para lograr algunas risas en su mayoría tibias. Aunque su gran éxito no detiene exactamente el espectáculo, deben sentirse aliviados cuando llegan a él, y nosotros también. Al menos supone un descanso de ese tipo especial de incomodidad que es el Shakespeare que no aterriza.

¿Pero por qué no debería aterrizar? Esa es la pregunta. Si uno va a seguir con el lenguaje de Shakespeare aunque sea parcialmente, ¿por qué no priorizar la poesía y la prosa tanto como el power pop? ¿Por qué no esforzarse en que la obra cante en cada instante? Los actores de Woolery se abren paso diligentemente a través del texto (Antonio de Chatmon y el amable asesor de Susan Lin, Gonzalo, en particular tienen oído para sus ritmos), pero el progreso general parece vacilante, el territorio poco explorado. No hay razón para que Goldsberry, con su carisma ilimitado y su capacidad para encontrar todas las formas y texturas de una canción, se sienta encerrada cuando se pronuncia el verso. La confianza en el significado, la alegría al sentir las palabras en la boca, la alquimia de la autenticidad y el artificio: todas estas son cosas que el teatro musical y Shakespeare deberían compartir en la representación. Pero en esta Tempestad, el texto anónimo tampoco parece amado. Es un transportador forzado de trama más que un tesoro escondido de regalos para los actores y el público por igual: un carnaval de lo ridículo y un conducto hacia lo sublime.

Quizás sea de mal humor querer que un proyecto de esta naturaleza (claramente una tarea logística gigantesca y, para sus participantes, al menos aparentemente una verdadera fuente de alegría) haga más. Pero ¿por qué debería hacerlo, cuando el material que tenemos a mano ofrece mucho más? Ese material no es sólo Shakespeare; es el potencial infinito del enorme conjunto de la producción y el escenario abierto de Delacorte. El diseñador de vestuario Wilberth González es el que más se divierte: Alonso (Joel Frost), el rey náufrago de Nápoles, y su pandilla de compinches cortesanos obtienen versiones de siluetas isabelinas; Stephano, que sueña borracho con la realeza, lleva una pequeña e inteligente corona estilo Jughead; y el ágil y travieso Ariel (el sirviente espiritual que cambia de forma de Prospero) de Jo Lampert puede lucir una variedad de conjuntos que se sienten como si pudieran haber pertenecido a Loki del MCU.

El vestuario aporta zazz, y con tanta gente constante y colorida en el escenario, a veces me preguntaba por qué la producción no se había inclinado más hacia su conjunto como su arquitectura viva. Es conmovedor ver a los miembros de la compañía, a menudo por docenas, actuar como testigos y participantes de la historia. Sus cuadros cambiantes son más convincentes que el set de Alexis Distler, que me recordó más a El mago de Oz que a La tempestad. A un lado del escenario, que alberga a la banda, se encuentra la fachada destartalada de una casa suburbana inclinada, como caída del cielo. En el medio hay un marco de casa abierto parecido a un granero que dice "cervecería artesanal" o "lugar de celebración de bodas en Vermont". (¿Es la misma casa desde una perspectiva diferente? ¿Qué significa la casa? ¿Cómo se corresponde su modernidad con los divertidos trajes de época? No podría decírtelo.) Luego, al otro lado del escenario, hay algunos siniestros... mirando árboles. Seguí esperando que me tiraran manzanas.

Claro, el conjunto aquí actúa como fondo: se puede enfocar fácilmente. Pero la sensación de que las cosas no encajan del todo, a pesar del constante entusiasmo, persiste más allá del diseño de producción. Permanece dentro de la fricción entre el contenido de la obra y el compromiso del programa con las vibraciones positivas. La sinopsis del programa nos dice que “esta adaptación de La Tempestad explora el poder de elegir la compasión sobre la retribución”. Eso es justo. La historia trata sobre eso, y sobre lo terriblemente difícil que es y cómo esa elección, para alguien que ha construido toda su vida sobre el poder sustentador de la ira, tiene un costo.

La Tempestad es la despedida de un artista. Como la última obra de Shakespeare escrita sin coguionistas más jóvenes y más modernos, termina con un mago que renuncia a su magia (o, en el original, a la suya): "Romperé mi bastón", dice Prospero. "Y más profundo que nunca el sonido de una caída en picado / Ahogaré mi libro". Aquí está sucediendo algo triste, rico y extraño: la ira de Prospero está vinculada a sus poderes, su capacidad de convocar y crear, y ambos están vinculados a su mortalidad. Shakespeare examina el impulso artístico tanto en su luz como en su oscuridad, y contempla lo que sucede con el artista cuando se detiene la creación. Cuando Próspero, habiendo finalmente renunciado a su deseo de venganza, nos dice que planea abandonar la isla donde ha estado exiliada – “Y de allí retirarme a mi Milán, donde / Cada tercer pensamiento será mi tumba” – lo dice en serio. El costo del perdón de Próspero puede ser su propia vida.

No es posible que escuchemos todo el peso de estas palabras cuando Goldsberry las pronuncia. No es su culpa; la producción le pide la vitalidad y vitalidad típicas de una heroína de teatro musical, y ella la cumple. Irradia el brillo saludable de un viaje realizado de autodescubrimiento. Y verdaderamente, aunque nos canta a lo largo de la obra sobre la “rabia que vive dentro de mí”, nunca experimentamos realmente su fuerza ardiente y deformadora del alma. Aquí hay una incongruencia entre la historia que nos cuentan (Próspero es consumido por una furia amarga y finalmente aprende a perdonar) y la historia que recibimos consistentemente a través de la melodía y el tono, que presenta a Próspero como una madre cariñosa que hace lo mejor que puede con una linda buen sentido del humor y, claramente desde el principio, capacidad de compasión. Esta disonancia no arruina la fiesta del espectáculo, pero crea una sensación que es muy común en las producciones de Shakespeare, musicales o no: la creciente sospecha de que, en el fondo, esto realmente no tiene sentido después de todo, que Estamos absueltos de intentar realmente entenderlo. Este fenómeno también surge cuando un actor (aquí, Pérez como Stephano) se acerca a medias a un chiste de Shakespeare y luego rápidamente se aleja de él encogiéndose de hombros y dirigiéndose a la audiencia. Lo sé, dice este gesto. Realmente tampoco lo entiendo. Así que riémonos de juzgarlo juntos.

Estas obras no son perfectas ni sacrosantas. Hay muchas cosas en ellos que son difíciles, arcaicas, torpes e incluso francamente jodidas; muchas cosas que pueden necesitar ser cortadas, ajustadas, adaptadas o reconsideradas con cada nueva producción. Pero se pueden conseguir. Y cuando se los aclara con valentía en toda su vasta complejidad, su sabia tontería y su complejidad moral, son incomparables.

Obras Públicas tiene mucho que admirar. Su espíritu es indefectiblemente generoso y esperanzador. Así que yo también tengo esperanzas. Espero la fusión de visiones comunitarias, inclusivas y de gran corazón con enfoques matizados de obras complejas y sin fondo. Espero producciones cuyas alegrías no disminuyan sino que, de hecho, se profundicen por las cosas difíciles que nos piden. Espero, supongo, mundos nuevos y valientes.

The Tempest estará en el Teatro Delacorte hasta el 3 de septiembre.